Zurbarán el primer diseñador español

Me imagino que ya conoceréis la noticia, ya que se conoce desde septiembre de 2011, aunque yo me enteré este viernes cuando fue inaugurada la muestra del Espacio Santa Clara, una muestra que nace del proyecto original del Instituto de la Cultura y las Artes del Ayuntamiento, ICAS, invitando a once conocidos diseñadores españoles a reinterpretar esas magníficas obras de Zurbarán con sus creaciones actuales y en su artículo 'Santas de Zurbarán: Devoción y Persuasión', también me quedé alucinada, en este caso no de la magnífica muestra y maravillosa idea, sino de leer:

“que se han visto influidos por el pintor o lo consideran el primer modisto español.”

Y hoy me he llevado la grata sorpresa de verlo corregido por estas palabras y estupenda frase:

“El tratamiento de los tejidos, la combinación de estampados, la elección de los colores y el uso de complementos hace pensar que estamos ante el primer creador de moda Española.”

No me lo podía creer, y he tenido que comprobarlo en caché para ver que era cierta la primera frase. Y volviendo a entrar en el enlace, ya que lo critiqué en Facebook, desde la página de MECMO,

ha sido cuando me he llevado la gratísima sorpresa, aunque no creo que fuera gracias mí, seguro que se han quejado bastantes más y con más fuerza mediática que la que pueda tener yo.

Todos tenemos que tener un poco de cuidado con las palabras, incluyéndome a mí, por supuesto, aunque en mi caso tendría menos importancia, ya que no soy nada ni nadie relevante.

En el enlace del video de RTVE, podemos ver que se sigue con el término “modisto” y que incluso bautizan y apodan a Zurbarán como “modisto”, en un vídeo es más difícil modificarlo: “El primer “modisto”, dicen, de España”¡Ahí queda eso! Zurbarán los imaginó, los diseñó y los pintó, pero.. ¿también le daba a la costura?.... Y claro, seguimos  con el término "modisto"..igual ofende el término correcto "modista"....
Como bien defiende Lorenzo Caprile y yo le apoyo desde mi humilde blog como en el post MODISTA O MODISTO.
Y ya no es que hagan falta apoyos y que sea para debatir, es simplemente utilizar el término correctamente.
Pero además, en este caso, incluso nos ponen a Francisco de Zurbarán de modista, aunque le llamen incorrectamente "modisto", sinceramente desconozco si tenía esas habilidades también para la costura, igual sí, y yo no me había enterado..
Pues así casi o con la misma frase lo encontramos en muchos medios más.
Y volvemos con el tema del "modisto" en abcdesevilla.es,  esta vez sin colocar a Zurbarán de "modisto":

“Será la primera vez que se mostrará junto al cuadro de «Santa Casilda» de Zurbarán que procede del Museo Thyssen-Bornemisza y que sirvió de inspiración al modisto hace medio siglo.”

Eso sí, muy bonita y buena idea, aunque mal expresada y satisfactoriamente corregida en el primer caso. Tengo que decir que me ha encantado.
Y que me ha gustado ver uno de los sitios más fieles a la noticia y que incluso han respetado el término “modista” como en ABC.es/cutura


Genial Zurbarán y genial idea de acercar a los diseñadores al arte inspirándose en obras tan especiales y preciosas como las santas de Zurbarán.

Y como dice Elio Berhanyer “Zurbarán es el más grande diseñador que ha tenido España, porque estos trajes (de sus santas) no existieron nunca y él se los inventó todos”, y estoy con él, es impresionante el trabajo de Francisco de Zurbarán.



Precisamente Berhanyer ha colaborado además de personalmente con sus obras inspiradas en Santa Isabel de Portugal y en Santa Casilda, también lo ha hecho desde su Cátedra Elio Berhanyer con sus diseñadores contribuyendo con sus diseños inspirándose en otras de las santas de Zurbarán, como María José Pedrosa Mérida en Santa Dorotea; Rafael Pérez Girón en Santa Inés; María José Jiménez Jurado en Santa Engracia; Mónica Ruiz Rabadán en Santa Marina; Ana Castilla Portillo en Santa Bárbara; Inmaculada Vergara en Santa Eulalia; Maribel Fajardo Arjona (Tan Gram) en Santa Matilda y Cristina Vázquez Borrego en Santa Catalina.

Algunas de las santas de Zurbarán, Santa Catalina de Alejandría, Santa Isabel de Portugal o Santa Casilda, Santa Casilda, Santa Úrsula, Santa Eufemia de Calcedonia, Santa Marina, Santa Isabel de Portugal, Santa Dorotea, Santa Matilda, Santa Eulalia, Santa Bárbara, Snta Engracia, Snta Inés y Santa Margarita. Y las interpretaciones de los diseñadores, ver imagen en el correoweb.es ("Diseñadores españoles homenajean a Zurbarán como “el primer modisto de la historia”")

Y bajo la dirección de Elio Berhanyer, también han participado diez diseñadores más que todos conocemos, como Francis Montesinos en Santa Margarita, Pedro Moreno, en dos ángeles turiferarios, Roberto Torreta en Santa Marina, Hannibal Laguna en Santa Apolonia, Modesto Lomba, en Santa Úrsula; Ana Locking en Santa Catalina, Victorio y Lucchino, en Santa Isabel de Portugal; Ángel Schlesser, en Santa Catalina y Juan Duyos en Santa Eufemia, Ágatha Ruiz de la Prada, en Santa Águeda; y normal, lleva su nombre Águeda es el mismo nombre que Agata.... Su significado es “bondadosa”, una selección muy bonita para Ágatha Ruiz de la Prada.

La reinterpretación de Ágatha Ruiz de la Prada sobre Santa Águeda, la mártir de los pechos cortados que lleva con dulzura y delicadeza en una bandeja, impresionante.

El diseño de Ágatha Ruiz de la Prada ha seguido el modelo original en el volumen de las mangas. La capa abullonada, de color rojo carmesí de la santa barroca también ha inspirado colocando más vuelo a este traje y lo remata con su más que conocido motivo: su característico corazón.

 

Santa Casilda de Zurbarán, y diseño de Elio Berhanyer, Santa Isabel de Portugal por Vittorio & Luchino, Santa Úrsula por Modesto Lomba, y Santa Agueda o Santa Agata con el diseño polémico y sin corazón ni capa de Agatha  Ruiz de la Prada (ver noticia: Elmundo.es)

Otro estupendo detalle es que el Museo de Getaria también ha colaborado cediendo el traje que hizo el gran maestro español Cristóbal Balenciaga realizado en gazar (tejido original ideado por la fábrica suiza Abraham en exclusiva para Balenciaga) con el que triunfó en París en la primavera de 1961 inspirándose en Santa Casilda.

Aunque Zurbarán pintó tres versiones de Santa Casilda.

Además del extremeño Zurbarán, Ignacio de Ries, un pintor casi desconocido, que trabajó en el mismo taller que Zurbarán y perteneciente también a la Escuela Española del barroco sevillano durante el siglo XVII, e igualmente interpretaba a las santas con impresionante vestuario, y se nota su influencia con otra versión de Santa Casilda.

Pero parece que a Balenciaga el que le sirvió de inspiración fue el cuadro de Santa Casilda de Zurbarán, del Museo Thyssen-Bornemisza.

Preciosos detalles del vestuario, además de la lazada de la espalda en tafetán de seda color púrpura,

interpreta un precioso brocatel o espolín (gracias a las nuevas máquinas para tejer a mediados del s.XVII) de seda en rojo, oro y plata, bordados y apliques de pedrería que interpretan a los rubíes engarzados entre los hilos de oro, un brazalete con una piedra preciosa rodeada de perlas sobre la manga del jubón; una santa con una riqueza extraordinaria; preciosa y curiosa motivación católica durante la apuesta por la Contrarreforma. Aunque también pintó santas más humildes.

¡Espero no perdérmela y poder visitarla!

Y que no se me ofenda nadie de mis pequeñas críticas constructivas;) ¡Para eso también están los blogs!

Fuentes:

El PAIS: Zurbarán, primer modisto español

El Mundo

espaciosantaclara.org

ABC.es/cutura

http://www.rtve.es

programas.educacion@sevilla.org

www.ciudadpintura.com

La Gaceta

Vogue Alemania

Christian Lacroix vuelve a ser noticia con “La italiana” Schiaparelli

Bueno, creo que esta vez he batido el récord, después de casi un mes, vuelvo a aparecer por aquí, y ya lo echaba de menos.


Y vuelvo con este post, dedicado a Christian Lacroix y a “La italiana”, que es como le llamaba “cariñosamente” Coco Chanel a la extraordinaria Elsa Schiaparelli

El miércoles pasado me llamó la atención cuando vi que alguien había publicado como notición: "Christian Lacroix/ El Nuevo Director Creativo de Schiaparelli", no digo quién, para qué, solo lo menciono porque estas cosas e informaciones erróneas nos las encontramos constantemente, nos hacen dudar y como siempre está el “per si acàs”.... seguí buscando sobre la gran noticia.

Seguidamente fui descubriendo más sitios donde publicaban la noticia de otra manera:
“Lacroix diseñará una colección para Schiaparelli”

“Christian Lacroix rinde homenaje a Elsa Schiaparelli.”

Todo esto viene dado por el ansia viva en dar la noticia de lo que estaba previsto desde el pasado mes de octubre anunciando el nombre del director creativo de Schiaparelli, y aunque el candidato favorito era Marco Zanini, todavía no se conoce, lo único que se ha confirmado es la colaboración extraordinaria de Lacroix.

El caso es que Christian Lacroix creará una colección cápsula para la firma Schiaparelli como homenaje a Elsa Schiaparelli.

Christian Lacroix por Irving Penn

Constará de 15 piezas para el otoño-invierno 2013-2014 reinterpretando las creaciones más famosas de “la italiana”, el mote dado por Coco Chanel.

Elsa Schiaparelli por Peter North

Y con motivo del homenaje, la muestra se expondrá en el estudio atelier original de su fundadora Schiaparelli coincidiendo con la celebración de los desfiles de Alta Costura en París del 1 al 4 de julio.

Y parece que a él le seguirán otros artistas y creadores del mundo de la moda.

Puede ser una magnífica colaboración, ideal para continuar lo que Elsa dejó en 1954, lo que se llegó a despertar el año pasado con el homenaje que ya le dedicó el Metropolitan Museum of Art (MET) de Nueva York con el diálogo entre Elsa Schiaparelli y Miuccia Prada “Prada: Impossible Conversations”, y en todo esto tiene mucho que ver quien adquirió la firma Schaparelli en 2006, el empresario, propietario de Tod´s, Diego Della Valle, manifestando que quería devolverle su actividad.

Otros dicen que Christian Lacroix vuelve después de abandonar la moda, “El diseñador francés, retirado del mundo de la moda, creará una colección cápsula para la firma”

Lo cierto, es que nunca ha dejado el mundo de la moda, el propio Christian Lacroix dijo que lo único que quería era seguir trabajando en su pequeño estudio atelier con total tranquilidad.

Eso sí, como compañía con su firma propia se retiró en 2009, despidiéndose de sus espectaculares colecciones de Alta Costura, pero él ha continuado trabajando hasta ahora, de manera más discreta.
Incluso ha colaborado con Desigual, con 30 prendas para la colección otoño-invierno 2011-2012 presentada en Barcelona.


Se ha dedicado también a diseñar muebles entre otras muchas cosas, comenzó diseñando 12 piezas de mobiliario para la firma Sicis, ya famosa por sus mosaicos, inspirándose en los mosaicos bizantinos de Ravenna. Septiembre 2011.

Su último desfile en el Museo de las Artes Decorativas de París fue el menos representativo de su estilo tan rico en bordados y colorido, entre barroco y folclórico mezclando sus orígenes de Arles con la inspiración española tan admirada por él y único mezclando estampados, su último desfile fue oscuro y sobrio, pero con la excepción del vestido de novia con Vlada Roslyakova, donde manifestaba su despedida de manera simbólica mediante sus obras para la colección otoño-invierno 2009-2010.

Pasó a ser el director creativo de la firma su mano derecha, Sacha Walckhoff, aunque sin seguir con las colecciones de Alta Costura ni de prêt-à-porter, por el momento, Sacha lleva la colección masculina, joyas, marroquinería, lencería para mujer, y ha lanzado varias colecciones de decoración, de textiles para el hogar y una colección de vajilla Christian Lacroix Maison, se estrena en la colaboración de la Maison & Objet. Continuando con el espíritu de la casa y del propio Christian Lacroix con su  "At the Table, a Touch of Couture".

Nos recuerda los estampados del mismo Christian Lacroix, sobre todo ese tipo de rayas en blanco y negro dentro de la colección: "Sol y Sombra" y unido a su "Desfile de la mariposa" también me recordó al collar de insectos de Elsa Schiaparelli y sus estampados de mariposas.


Elsa Schiaparelli, Collar de insectos de 1938 (inspirado en la fauna que aparece en El nacimiento de Venus y La Primavera de Botticelli). Colección de vajilla Christian Lacroix Maison "un toque de Alta Costura en la mesa"marzo 2013.

Christian Lacroix y sus rayas en blanco y negro desde 1988 con Ane Seymour, Alta Costura fall 2002 y desfile Alta Costura primavera-verano 2009. Sin abandonar su apuesta, novedad y creación en los 80, su falda corta globo, “Puffball skirt” o “le PUF”, inspiración de la línea globo de los 50, creada por Balenciaga.



Christian Lacroix y las mariposas, Primavera-verano 2007

Elsa Schiaparelli y las mariposas, sombrero de paja "canotier" y chaqueta "botones" mariposas, 1947. Vestido negro en crepe de seda con aplicaciones estampadas de mariposas, circa 1935 (Galliera, Museo de la Mode de la Ville de Paris)
Y vestido estampado de mariposas en 1937.

Sacha Walckhoff también continúa con uno de los temas más característicos de Lacroix: las cruces.

Michaela Bercu con la característica cruz de Christian Lacroix, Haute Couture Otoño-Invierno 1988; publicada en Vogue, noviembre 1988. Y los apliques diversos, sobre todo de cruces, formando una cruz para la colección Christian Lacroix Homme fall winter 2012 por Sacha Walkhoff

Lacroix, que se ha dedicado últimamente a la gestión de su propia compañía XCLX, curiosamente ha sido acreditado como el diseñador que “salvó a la Alta Costura”, espero y deseo que vuelva a salvarla.

Christian Lacroix y Elsa Schiaparelli, diferentes, pero con mucho en común, sus genialidades.

Las cofias y sus lazadas, Elsa Schiaparelli, 1949 y la primera colección de Christian Lacroix en 1987, inspirándose en las "cofias" o tocados, vestuario y estampado de Arles, su ciudad natal.

Marlene Dietrich en "Angel", 1937, con un bordado atribuido a Schiaparelli a cargo del prestigioso diseñador de Hollywood en los 30, Travis Banton. Christian Lacroix con Marie Seznec, en su primera colección Alta Costura en 1987, recordando el extraordinaro bordado blanco sobre negro del abrigo que llevaba Marlene.

Vestido en satén de seda de Elsa Schiaparelli en 1934. Vestido de Christian Lacroix llevado por Nicole Kidman para Vogue 2004. Ambos hiperfemeninos, espaldas descubiertas con lazada. 

Elsa Schiaparelli 1949. Christian Lacroix 2004

Mangas enorme y voluminosas, chaquetones y gabardinas de seda. Elsa Schiaparelli 50´s, Christian Lacroix 1990

Christian Lacroix sobre Elsa Schiaparelli:

“En esta persona, que encarna a una verdadera aristócrata, encontramos a un espíritu en el que las matemáticas, la literatura y la poesía confluyen: Elsa es una esfinge sagrada que nunca deja de interrogarnos, a la vez que arroja nuevos enigmas como respuestas. Arte, teatro y cine… mi deseo es devolver a Elsa al centro de su maison y al escenario desde el que sedujo al mundo en su día”


“Elsa es una esfinge sagrada que no dejará de cuestionarnos nunca al ofrecernos nuevos enigmas como respuestas. Quiero volverla a poner en el centro de su marca y de la escena con la que sedujo el mundo”

Esperaremos impacientes esa extraordinaria colección cápsula.

¡Gran fichaje!


Fuentes
www.christian-lacroix.fr 
www.sicis.it  
yodona.com
vogue.es
vogue.it
hola.com
woman.es
madamelefigaro.fr

Homenaje a los innovadores secesionistas con Balmain

Por fin puedo editar una entrada que llevo mucho tiempo queriéndolo hacer, siento el retraso que buena parte ya conocéis el por qué, estaba deseando compartirla, aunque ya tenía la idea, tenía que repasar, buscar, seleccionar, ordenar, comprobar para intentar no meter la pata, confirmar y decidirme publicar, vamos, lo que normalmente se hace para escribir un blog.


Esta vez se trata de una inspiración curiosa para esta primavera 2013, resuelta de manera excelente por el casi recién estrenado en la firma Balmain, Olivier Rousteing sustituyendo al extraordinario Christophe Decarnin con una colección de línea y corte totalmente ochentero, que nos recuerda a esos atrevidos, emprendedores de verdad y excepcionales años 80, donde llamar la atención no solo no importaba, sino que se disfrutaba haciéndolo.

Pero este post no va a ir dedicado al estilo 80´s, sino al estilo artístico arquitectónico y decorativo vienés, concretamente con un tipo de mueble, los sillones, tresillos, mecedoras y sillas conocidos como de rejilla de rattan

 y su madera curvada, comúnmente llamados el “cannage”, vocablo francés, porque ya sabemos cómo es y era París, y su influencia en la moda, muy cierto también que este estilo de mobiliario tuvo su boom industrial y pistoletazo de salida para las masas en París, la cuna de la moda, y más todavía desde la famosa Exposición Universal de París en 1900, que marcó el triunfo del Art Nouveau y del mobiliario modernista curvado, pero tenemos que saber que la innovación y creación de este nuevo estilo se lo debemos a Michael Thonet, el primero en aplicar las nuevas técnicas de la característica madera curvada y su asiento de rejilla, con su primera patente en 1841, desde su fábrica en Viena y su gran éxito en la Exposición Universal de Londres de 1851 y obtuvo la medalla de plata en la siguiente Feria internacional en París en 1855, coincidiendo con Jacob &Josef Kohn, padre e hijo que se unieron para crear una firma propia desde 1846 en Viena, junto al gran arquitecto también vienés Gustav Siegel, antes ya habían participado en las Exposiciones Universales de Viena (1873), Filadelfia (1876), y en la Exposición Universal de París de 1878, donde Kohn decide instalarse, y en 1902 colabora con el arquitecto y diseñador vienés Josef Hoffmann, uno de los miembros fundadores de la Secesión de Viena, junto a Gustav Klimt (ver post: MOVIMIENTOS LIBERALES: NO AL CORSÉ: GUSTAV KLIMT y EMELIE LOUISE FLÖGE )

Otro dato curioso: Jacob &Josef Kohn, es competencia directa de los famosos muebles Thonet, hasta 1922 que llegan a fusionarse con Gebrüder Thonet, el nuevo nombre de la empresa Michael Thonet.

Total, después de ver esta breve historia y solucionar algunas dudas, tenemos claro que fue una innovación creada en Viena, aunque su verdadero éxito y más popular lo obtuvo desde 1900 en la famosa Exposición Universal de París, no es un modelo francés como he leído en varios sitios.

Y nuestro gran personaje Olivier Rousteing desde París con Balmain, nos ha traído una nueva versión de este fabuloso diseño vienés que mantenemos y admiramos desde el siglo XIX, y más aún desde 1900 con sus diseños Art Nouveau y modernistas.

He recuperado estas fotos donde aparezco con la silla y tresillo de Jacob &Josef Kohn, que curiosamente gracias a una amiga que me preguntó si eran de la firma vienesa, entonces comprobamos su etiqueta, la pena es que han desaparecido, se las llevó una inundación mientras estaban en el guardamuebles en el año 2000.

Mariló Mascuñán-imag.flickr.com.photoslejarza

También ha servido de inspiración a grandes artistas como por ejemplo a Pablo Picasso con su cuadro Naturaleza muerta con silla de rejilla

Extraordinarias piezas, extraordinarios bordados con efecto de la rejilla de rattan, trenzados, cordones y bordones emulando el curvado de la madera, extraordinario colorido, extraordinario Olivier Rousteing.
Incluso en el calzado, preciosos botines

Blancos y negros, rayas y cuadros dameros en versión rombos en el caso de Olivier Rousteing, como los innovadores sillones de 1912 de Josef Hoffmann.

Y terminando con un guiño al arquitecto y diseñador vienés Josef Hoffmann, su famoso sillón acolchado “Kubus Caviar de Beluga en 1910” (aunque parezca mentira que pertenezca a ese año) con los acolchados de Olivier Rousteing para Balmain otoño/invierno 2013/2014

Fuentes y Bibliografía:

Wikipedia

Julio Vives Chillida: Josef Hoffmann y Jacob & Josef Kohn en la Kunstschau Wien de 1908, Editorial Lulu.com, 2008

Julio Vives Chillida: Jacob y josef kohn: una mirada desde Barcelona

Vogue.es

Volvemos a Bizancio con la estética 50´s y 60´s

Dolce&Gabbana nos transporta al pasado, mezclando décadas. Comienza con Bizancio y lo introduce en los años 50 y 60, contrastes extraños, pero esos detalles y esa apuesta no queda nada mal.

Os recomiendo pasaros por el estupendo post: De Bizancio a Dolce & Gabbana
Que han realizado conjuntamente María Cartagena y Karin Wachtendorff.
María, como experta en Moda y Fashion Blogger desde Nueva York los vestidos y complementos de la colección, y Karin como Historiadora del Traje, elaborando desde España la introducción histórica sobre la moda en el Imperio Bizantino.
http://www.onestyleatatime.com/
http://historiadelamodaylostejidos.blogspot.com.es


Dolce&Gabbana nos muestra un Bizancio muy cincuentero, sesentero e incluso setentero.

 También nos recuerda al estilo de mi admirado Gustav Klimt, sus estampados y sus dorados.

Con los tejidos más característicos de los inviernos de finales de los 50 e inicios de los 60, como las lanas de espiga y príncipe de Gales.

Muy Kelly, nos imaginamos a una Grace Kelly con corona bizantina.

Esas chaquetas cortas con su falda lápiz, esos abrigos..

Y también muy Audrey,

incluso en ese peinado recogido y cardado tan de los 50 y 60s, como en “Desayuno con diamantes” en 1961, y “Cómo robar un millón” en 1966, con su vestido de encaje negro.

Y cómo no, la línea A, tan característica de los 60.

Todos los detalles, los bolsitos “cincuenteros” y “sesenteros”
Los zapatos, desde grandes plataformas (que usaban algunas modernas de los años 30 y 40, y que volvieron en los 70), plataformas decoradas con motivos bizantinos, incluso motivos que nos recuerdan a los que utilizaban en el modernismo y el Art Nouveau sobre la madera; pasando por los kitten heells de los 50 y el modelo sesentero de tacón bajo y cuadrado derivados de la línea Mary Jane de los años 20. Para todos los gustos.
Todos ellos, la gran mayoría, con los tacones decorados con estampados y/o con pedrería e incluso piedras engarzadas con el tema bizantino.

¿Una novedad?

Recordemos que para la colección Otoño/Invierno 2011, Chanel también se inspiró en Bizancio, un tema que atrae por su riqueza y por ser un punto muy básico en el arte mediterráneo.

Dolce&Galbana escogió una curiosa música, la de Nino Rota para Federico Fellini, un gran referente del cine italiano, películas de estilo neorrealista, donde se ve reflejado ese espíritu y caracter italiano, recordando que las grandes muestras del arte bizantino vienen de Sicilia (la Catedral de Monreale). video del desfile:
http://www.youtube.com/watch?v=aa-ztXgPqz0&NR=1&feature=endscreen

Fuentes, página oficial Dolce&Galbana

http://www.dolcegabbana.es/

Vogue.es

http://www.vogue.es/desfiles/cronica/otono-invierno-2013-2014-milan-dolce-gabbana/8290